Mon bremier plog

Construites à partir de matériaux industriels, les Structures sont composées de minces tassaux de bois (deux épaisseurs différentes) et de colle industrielle (type Araldite).

L’agencement de formes géométriques basiques (triangle pour l’un, parallélogramme pour l’autre) est une application de mon travail sur la 3D, à travers les matériaux.

Je conçois ces pièces comme des maquettes :

une miniaturisation de plus grandes structures qui deviendraient alors des architectures, des squellettes de bâtiments qui pourraient investir de nouveaux espaces*.

* Recherche d’une ergonomie pour les prochaines structures Martiennes par exemples.

La plus petite est inspirée des structures géodésiques de Buckminster Fuller, elle n’est qu’un agencement de triangles 

équilatéraux qui, sous cette forme, permettent au bâtiment d’être auto-portant avec un maximum d’espace vital.

1° Exemple de grande structure où trois formes identiques mutent pour n’en créer qu’une seule.

Ce sont mes sources, le point de départ d’un processus.

Généralement, on peut se servir d’un logiciel de 3D pour concevoir un objet (un espace) dont la finalité est une image qui tend à refléter la réalité.

Dans mon travail, le «rendu» n’est pas le but, je me sert de cet outil pour avoir une vision spatiale du volume que je veux réaliser. Le plus souvent, j’arrête le processus à l’état de squelette, lorsque les formes géométriques sont apparentes.

Cela me permet d’observer, de manipuler et modifier ces formes jusqu’à ce que j’atteigne un résultat (souvent plusieurs) qui me convient.

C’est aussi le moyen efficace de lutter contre l'obsession d’une «pièce finie».

Une ouverture suffisante qui laisse libre court à l’expérimentation.

A l’aide de  mes croquis, je reproduis une forme géométrique que j’extrude pour obtenir le volume. En combinant les éléments, de nouvelles formes se crées, je les sélectionnent, les isoles pour former une structure.

"Je suis un cyborg" - C'est l'histoire d'une jeune fille internée en hôpital psychiatrique parce qu'elle croit être un robot, un cyborg. Elle préfère sucer des piles pendant ses repas et refuse de s'alimenter normalement. Tout son délire tourne autour d'hallucinations qui transforment ses caractéristiques humaines en éléments mécaniques, électroniques, par exemple ses ongles de pieds clignotent quand la batterie est chargée.

 Un jeune homme, interné lui aussi, tombe fou amoureux d'elle. Il a la capacité de voler les qualités des gens qu'il observe.

Libéré du sentiment de compassion (qui lui empêche de faire du mal aux autres), la jeune fille cyborg mène une quête sanglante à travers ses hallucinations.

Ce qui m'a surtout plus dans ce film, hormis l'esthétique, colorée, candide et loufoque hyper cohérente et parfaitement calculée (situations oniriques qui rappellent l'esthétique Tim Burton mêlée à l'humour noir du manga et certains clips de Michel Gondry), c'est la liberté du regard et de l'interprétation de l'histoire que j'ai aimé. Ca me fait énormément penser au point du vue adopté par le journalisme gonzo dans les 70's : point de vue ultra-subjectif créé par Hunter S. Thompson (Journaliste psychédélique et copie conforme du personnage de Raoul Duke dans "Las Vegas Parano" de Terry Gilliam) où les hallucinations et la réalité sont indissociables ce qui permet de ressentir au plus près la condition mentale des personnages. Et ça tombe plutôt bien dans un hôpital psychiatrique. 

Les ponts que j'ai pu faire entre certaines scènes du film et des expériences personnelles, de brèves émotions qui tournent à la magnificence, l'humanité dans la folie (Henri Michaud - "L'espace du dedans" que je suis entrain de lire) et l'inversement des rôles : le psychiatre devient patient (K-Pax de Iain Softley) où Kevin Spacey venu d'une autre planète remet en cause les méthodes de l'analyse psychiatrique, tout ça me parle vraiment.

Le comble du comble, j'avais adoré "Old Boy" il y a quelques années et je connaissais Park Chan-wook de nom mais je n'avais jamais fait le rapprochement entre le réalisateur et ces deux films. Ca m'a donné envi de voir son triptyque sur la vengeance : Lady vengeance et Simpathy for Mister Vengeance qui complètent Old Boy. Du cinéma thaïlandais je connaissais Citizen Dog que j'avais très moyennement aimé mais c'est la jaquette de ce dernier qui m'a donné envi de choisir Je suis un Cyborg.

Au final, je continu à me poser la question : Aurais-je été un fou heureux ?

"I'm a Cyborg but that's ok" de son titre anglais : Un scénario complètement décousu qui ne demande pas qu'on s'y accroche. Et alors ? That's ok for me.

   

    

   

   

L'art de la guerre s'estompe devant l'art du regard.

Je me suis intéréssé aux "Armes" de Daniel Deuzeuze car il travaille avec des matériaux de récupération. Il créé des Armes de poing, des armes de jet, des arbalètes... Pour lui le terme d'arme ne dissimule pas un projet guerrier mais une représentation possible du concept d'énergie : la prolongation d'un mouvement corporel, un jet.

" La composition symbolique de l'ensemble fait apparaître la force de concentration de l'objet au spectateur. Les armes de jet suggèrent la possibilité d'un tracé imaginaire, partant de l'arme pour aboutir à une cible potentielle. En construisant ces objets avec des éléments trouvés, Dezeuze leur donne un caractère faussement fonctionnel. "

Bois flotté = Vernis? = En rupture avec l'acte poétique = action mécanique = action corporelle 

Le but d'une image critique n'est-il pas d'interpeler, quel que soit le contexte, quelle que soit la nature de cette image ?

D'une manière passive ou réactive, interpeler le spectateur dans le but de le faire réfléchir, de dégager une opinion ou une émotion. Ici j'ai à faire à deux images : la première image (à gauche) est une oeuvre de Martha Rosler "Bringing the War Back Home series : Balloons", c'est un photomontage qui montre un Vietnamien tenant un bébé mort à l'intérieur d'un salon bourgeois Américain et la deuxième, "WB" (west bank) de Sophie Ristelhueber et représente une route de campagne rocailleuse où est placé un tas de pierre barrant la route.

Ce sont toutes les deux des images critiques qui traitent d'un fait d'actualité mais d'une façon totalement différente. Alors pourquoi, à l'intérieur d'une même volonté de dénoncer des actes condamnables, on retrouve une telle différence dans la manière de traiter un sujet et de considérer le spectateur ?

Je crois que la réponse se trouve dans le lien de cause à effet qui existe entre la production d'un artiste et l'effet émotionnel qu'elle provoque chez le spectateur, mais le plus important, l'époque à laquelle tout ça existe. La différence la plus marquante lorsqu'on regarde les deux images en parallèle c'est la violence d'une et la passivité de l'autre. Par exemple, l'image intolérable du Vietnamien et son bébé est aussi violente dans sa nature (ce qu'elle représente) que dans le message qui est adressé, contrairement à l'image de la route barrée qui est une image pensive (celle qui fait réfléchir) : elle évoque la curiosité d'une intervention, peut être humaine.
Sophie Ristelhueber se refuse à photographier des grands événements mais cherche à capter de petites choses qui sont la conséquence de grandes actions, par exemple, elle refuse de prendre en photo le mur de séparation entre Israêl et la Palestine mais préfère montrer les blessures des soldats.

Je pense que c'est justement le fait de se focaliser sur les détails qui provoque l'imaginaire du spectateur : une image qui délivre un message trop explicite dans sa forme perd de son aura, elle tue un peu l'imaginaire et le désir de s'y projeter.
Il suffit de regarder l'époque à laquelle ont été faites les deux images pour comprendre cette différence : la première date du début des années 70 alors que la seconde date de 2005. Du coup, on peut imaginer la réaction d'un public qui voit un petit vietnamien portant un cadavre dans un intérieur bourgeois Américain au temps de la guerre froide. C'est rempli de symboles : réunir les attribus de la réussite (le super appart) face à la souffrance ultime d'un être humain doit pouvoir choquer, c'est sûrement ce que l'image a du provoquer à l'époque, avec un message explicite "…l'ennemi aussi est un être humain ! Ne l'oubliez pas ! ", " l'ennemi c'est peut être nous ?"

Mais si cette image a tant perdue de sa force aujourd'hui c'est justement parce qu'elle a été faite hier, et hier, aujourd'hui… C'est ça le consensus !

Ca fait 50 ans qu'on nous saoule d'images, dans les magasines, à la télé et dans la rue, on regarde une publicité sur le lait concentrée suivie de la campagne sur le SIDA, on décroche un peu d'un reportage sur la guerre en Irak alors on zappe pour tomber sur super nanny (paix à son âme) et on nous place des articles sur la cellulite des stars juste à côté d'un problème géo-politique. A cause de ça, je crois qu'on a presque plus de hiérarchie dans l'information : car la plus importante n'est pas celle qui touche le plus de monde mais la plus spectaculaire.
C'est ce qui se passe dans la photo de Martha Rosler, c'est le trop plein d'image qui nous gave. Non seulement je déconnecte ce que je vois d'une réalité cachée, mais plus que ça : c'est l'image elle-même qui m'anesthésie.



((= Volontée ou hasard total de rassembler ces images?)) nb : Je pourrais d'avantage développer chaque parties ou parler du statut de l'artiste dans l'art critique, sur la dimension critique d'une oeuvre ou la volonté de provoquer le changement chez l'autre(?) … mais si j'avais commencé à en parler à travers ce texte je pense que je m'y serais perdu et j'ai préféré en rester aux deux images et ce qu'elles dégagent.

J'ai relu trois fois le texte de walter Benjamin sans pouvoir écrire quoi que ce soit. Je sais pas trop, d'un côté je suis complètement d'accord avec ce qu'il dit, d'un autre côté j'y ai jamais vraiment réfléchi. Le texte est bien écrit, les idées sont claires, c'est très accessible. Mais oui, alors il parle de Descartes, Einstein, Brecht, Klee, du communisme, qu'il est la répartition de la pauvreté et pas des richesses. J'ai un peu l'impression d'avoir déjà entendu ça.

Mais là je tombe sur une comparaison qui m'a beaucoup marquée : c'est celle de l'emploi du verre dans nos sociétés, le fait d'en utiliser pour construire des buildings par exemple : "un matériaux dur et lisse sur lequel rien n'a de prise. Un matériaux froid et sobre." Je trouve ça intéressant qu'il considère que l'emploi d'un matériaux soit comme le symptôme d'un malaise dans nos sociétés. Il rajoute : "le verre est l'ennemi de la propriété" et considère que les gens qui rêvent de constructions en verre sont peut être les "apôtres d'une nouvelle pauvreté". Le verre n'est pas ce qu'on pourrait appeler un matériaux noble mais les gens pauvres ne peuvent pas se le payer. Il est cassant et fragile, il laisse passer la lumière mais emprisonne la chaleur. Et pourtant dans des grandes villes comme New York il est omniprésent, on ne voit que ça. Si Benjamin établi un rapport entre cette matière largement utilisée et la difficulté d'y "laisser une trace" (et c'est aussi le cas de l'utilisation du fer comme il l'explique) c'est peut être ce qui a poussé les gens à faire du graffiti depuis vingt-ans, et ça explique peut être plus largement l'apparition du Street-Art. Le fait que les gens qui habitent les villes aient un grand besoin de se re-approprier les espaces. Je trouve ça plutôt poétique.

Signes Chinois. Noir sur Blanc. Signes Peints. Trace du pinceau. [Instantané - Essentiel]

Noir et blanc - deux mannequins occidentaux - efféminés  - effrayés - ils s'isolent dans le coin d'une pièce - esthétique - muscles saillants - faible lumière - chemise, cravate et plaid à motif percé.

Une femme caresse une statue - la musique commence - accords orientaux - nappes de son (va-et-viens) - lenteur - jeux de son entre l'ambiance de la pièce, les bruits (frottement des vêtements) et les cordes - Caméra : panoramique d'un intérieur - objets anciens - codes - rituels - tradition.

Deux femmes - un poteau - phallique - homme asiatique au premier plan - puis homme occidental - tous volent - parapluie (ombrelle) rappelle le motifs des plaids - vision onirique - surréalisme - Golconde ? - fils et cables - fragilité - lenteur - poésie - musique poétique - angoisse - Gros plan : valise blanche - six plans successifs : valise blanche.

Enchaînement de deux plans fixes :

1) Contre plongée d'un bâtiment à l'architecture occidentale - grande horloge qui culmine - musique s'arrête - bruit du vent.

2) Légère contre-plongée - bâtiment à l'esthétique "Western" - cheval noir / cheval blanc - deux panneaux chinois discrets - homme et femmes marchent dans la rue déserte - valise blanche / valise noire.

Les deux mannequins traversent des rails de tramway - sols mouillé - très lumineux - arrière plan brumeux - flou - rue déserte.

Retour sur le bâtiment "western" - encore chevaux  - encore valises - homme et femme - vêtements luxe.

Plans suivants : Retour musique lancinante - retour contrastes - ancien / contemporain - panoramique droite -> gauche : jeunes femmes ajustent un costume traditionnel chinois - tramway et serviteurs qui courent - voiture de collection et couple moderne chinois.

Trois plans successifs : portraits d'un couple chinois - femme seule - regard perdu.

[ Les éléments, les personnages découverts au début se retrouvent dans ce plan. Avec le panoramique, les personnages des premiers plans se rencontrent, ils se juxtaposent, s'entrelacent, ils ne sont plus isolés mais forment un ensemble, dégagent une idée générale que le spectateur assimile peu à peu. A travers quelques codes simples (+le noir et blanc pour l'esthétique générale) ça fait un peu bourrage de crâne. ]

Les deux mannequins - valises blanches - rues toujours vides - surréalisme omniprésent - encore plus de contraste n&b - chapeau percés.

[ C'est seulement àprès l'avoir vu trois fois que je me rends compte comment Prada tente de faire passer le message de son nouveau concept (après le gilet, le parapluie et maintenant le chapeau) des vêtements et des accessoires.. percés. ]

Trois plans suivants : portraits d'un couple chinois - beauté extrême - presque irréelle - femme seule - perdue - femme qui cherche quelque chose du regard

Succession d'actions - surréaliste - personnages se croisent

Entrée d'un bar - restaurant - devanture style Art Nouveau années 30 - Culture occidentale

Long travelling - femmes seules à l'intérieur : costumes traditionnels, rituels, préparation, séduction - A l'extérieur : couple moderne regarde, ils s'en amusent.

Deux plans fort suivent :

1) Deux femmes asiatiques étendues - en intérieur - symétrie parfait de la pièce - aucun mouvement - rigueur et beauté quasi photographique.

2) Deux mannequins occidentaux - contre plongée - Atlas : pouvoir - symétrie parfaite - deux hommes traditionnels chinois - fantômes du passé - observent - se regardent - repartent - (arrêt musique)

Travelling - Repas - serviteurs - ancien/contemporain - reprise musique - calme - bruit des couverts - premiers sourires - réconciliation femmes - beauté troublante.

Nuit - deux hommes - regards perdus

RUPTURE (plan fixe de 7sec) - regard d'une femme asiatique - regard insistant - fixe - mystérieux - séduisant

Retour aux mannequins funambules - bruits d'orages - parapluies tombent au sol - les personnages se rassemblent - ils observent d'en bas.

Plan final - rails du tramway - serviteurs (ancien) courent - couple moderne en gros plan - fuite

Ecran noir - écritures chinoises - YANG FUDONG - fin

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En fait, j'ai regardé plusieurs fois le court-métrage avant de décider de le traiter comme ça. J'ai tenté d'écrire un premier texte mais j'avais l'impression de manquer beaucoup de choses. Je me suis dis qu'en décrivant ce que je pouvais voir et entendre en temps réel, ça serait comme écrire ce que le cerveau peut percevoir. Je pense que c'est le principe même d'une publicité : envoyer un tas d'informations, perceptibles ou moins perceptibles, et que cet ensemble peu créer une émotion (ou pas).

Je pourrais parler de l'intention de Prada de viser tel ou tel public, je pourrais pousser mon analyse encore plus mais je pense que ma description est déjà assez longue.

Pour ma part j'ai trouvé le court-métrage "esthétique". Peut être à cause du noir et blanc et des plans un peu évidés. La seconde chose qui m'est venue est une impression de fragilité, de légèreté (ou d'apesanteur), de beauté presque irréelle dans les personnages. Je n'ai pas réalisé tout de suite la confrontation entre le moderne / et l'ancien. En fait j'ai trouvé ça long et un peu ennuyeux. Je pense pas que la musique soit bien appropriée, c'est sans doute ça qui m'a un peu endormi. J'ai pas trouvé qu'il y avait un rythme particulier, même dans cette lenteur voulue, quelque chose qui me tienne en haleine ou me donne envi de voir la suite. Peut être que ça marche les trois ou quatre premières minutes mais neuf minutes je trouve ça un peu... long ? J'ai le sentiment de tourner un peu en rond. Pour résumer, je pense que Prada a réussi son coup en faisant passer quelques messages essentiels : un questionnement sur les traditions, les générations en Chine, la liberté peut être, l'onirisme, la beauté...